韦塞尔曼为波普贴上性感标签,观察艺术看守者

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艺术品的身上总存在一种吸引我们靠得更近的东西,这大概就是博物馆的保安人员总是会大步走向观众并且警告请不要触摸作品的原因。对许多人来说,保安人员是个令人讨厌的角色,但以旧金山为创作基地的摄影师Andy Freeberg却将他们视为创作的灵感。

原标题:波普艺术家汤姆韦塞尔曼 个展将登陆高古轩

一花一世界。

Kugachs Before the Dance, State Tretyakov Gallery

当我们谈论起波普大师时,我们会想到谁?安迪沃霍尔、利希腾斯坦、贾斯帕琼斯?在大型国际艺博会中,一定有他们的作品在,他们是自带光环的主角。但我们同样不能忽略他:汤姆韦塞尔曼。

花样年华是它,明日黄花也是它。

Andy Freeberg的系列作品Guardians近日正在斯坦福Cantor艺术中心展出,16幅大型摄影作品捕捉到了俄罗斯女性坐在大师名作前看守的画面。在俄罗斯,许多游客的相机都把镜头瞄准了艺术作品,而Andy Freeberg的眼睛却被那些出于对艺术的热爱与公民责任来看守作品的老年妇女吸引了。

Tom Wesselmann, Still Life #29, 1963, oil and collage on canvas, 108 144 inches (274.3 365.8 cm) The Estate of Tom Wesselmann/Licensed by VAGA, New York

花是最真实的,也是最虚幻的。

我喜欢看她们穿着自己的衣服,坐在作品旁的椅子上。美国的保安人员却总是穿着统一的制服,然后站在作品旁边。Andy Freeberg说。当我观看某件作品时,这些女性也成为了我对绘画或是雕塑作品的观赏的一部分。

1931年生在俄亥俄州辛辛那提的汤姆韦塞尔曼,他的创作生涯长达50年之久。韦塞尔曼曾助推了1960年代美国的波普艺术运动,他有意避开抽象表现主义,取而代之以日常用品、广告拼贴来再现裸体、静物和景观。

由于花纯粹的美,它始终是艺术史上最受欢迎的母题。花似乎是亘古不变的,而不同的时代、不同的艺术家又是怎样描绘花的?

Matisse Still Life, Hermitage Museum

汤姆韦塞尔曼为波普贴上性感标签

Stefan Draschan ,Warhol,2017这位艺术家专门收集和画作同款的观众背影

在有的情况下,这些女看守通过无意识地对作品的回应不小心地成为了作品的一部分比如说她们的服装的风格或是亮点。例如,当马蒂斯的作品Still Life with Table Cloth旁边出现了一个披着深蓝色披肩的保安时,它就增加了一种新的维度。我喜欢她的披肩与那幅画的契合感,Andy Freeberg表示。我还问过她是不是因为要坐在这幅作品旁边所以专门去买了一件这样的衣服,不过她笑着否定了。

汤姆韦塞尔曼最被人所知的作品即是《美国人大裸体》。在这幅画中,一位裸体女性躺在一张类似桌子的上面,在其身后的一张桌子上则画有一顶男士圆边帽、一个暹罗猫、两个酒瓶和一个吃了一半的巧克力等,这些看似毫无意义的意象却为这幅画带来了妙趣横生之感。这是具有调侃意味的一幅波普作品,它同样是迎合商品社会的大众文化口味的作品,标志着一种商业气息在艺术中的弥漫,也象征着人也可以作为商品而存在。

Jan Brueghel the Elder

这并不是Andy Freeberg的相机第一次捕捉距离传统的艺术品一步之遥的人了。在他之前的系列作品Art Fare中,他就用相机记录下了在纽约军械库艺博会以及艺术巴塞尔上讨价还价的经销商、画廊主以及收藏家。在Andy Freeberg的照片中,艺术界似乎正自顾自地玩得开心。正如这些照片所展示出来的那样,整个世界的人都在忙着观看艺术品,而Andy Freeberg却在忙着观察艺术品的观赏者们。

Tom Wesselmann在创作中

老扬勃鲁盖尔

编辑:admin

韦塞尔曼擅长放大人体的局部而进行描绘,他从人体的各个部分寻找线条和语言词汇,他的裸体变得越随意和平面,形体的感觉就越虚幻。弗吉尼亚艺术博物馆馆长莎拉曾表示:韦塞尔曼十分赞扬艺术传统,他也亲身投入到这种以女性裸体为主流的艺术洪流中。

永恒的错觉

Tom Wesselmann作品

Vase of flowers,between 1600 and 1625

之后几年里,韦塞尔曼对女性的描绘经历了一些改变,从《卧室绘画》到《海景》系列,前者被艺术家形容为《伟大的美国裸体》的细节呈现,在后者中,韦塞尔曼则单独把女性形象的一只脚置于大海、蓝天和白云的背景之中。即使不算上1976年《伟大的美国裸体》系列,裸体依然是韦塞尔曼创作的主要题材,他通过尝试不同的比例、媒介、风格和语境来深化这一研究对象。

老扬勃鲁盖尔是我喜爱的老彼得勃鲁盖尔的小儿子。我以前一直看不懂他的鲜花有何特别之处。甚至觉得,400年前的插花无论是花还是表现形式,似乎和今天并无区别。

《伟大的美国裸体48号》,Great American Nude No.48,1963

然而今年在维也纳艺术史博物馆一个新老艺术品对话展《时间的形状》中Pick谁?提香vs透纳,伦勃朗vs罗斯科,委拉斯开兹vs马奈,古罗马文物vs塞尚...19组新老大师同场PK在艺术史博物馆,看到了以下一组作品对比,才揭开其中奥秘!

而在艺术品市场中,虽然韦塞尔曼不像其他波普艺术家那样卖座,但不少藏家都认为他的作品价值被低估了。目前其最高拍卖纪录是《伟大的美国裸体48号》,于2008年在纽约苏富比以1070万美元成交。

Large Bouquet of Flowers,1606

Tom Wesselmann, Nude Drawing 4/14/2000, 2000, oil on canvas, 48 x 64 inches, 121.9 x 162.6 cm, Art Estate of Tom Wesselmann/Licensed by VAGA, New York, NY., Photo: Jeffrey Sturges

Steve McQueen,Running Thunder,2007

韦塞尔曼没有沃霍尔和利希滕斯坦那样多产,也很久没有他的重要作品出现在拍卖场上了,斯坦伯格说。十几年来,他都在与韦塞尔曼的作品打交道,并且和艺术家本人合作过。斯坦伯格表示私人销售的价格能达到1000万到1100万,韦塞尔曼的作品不经常能出现在拍场上,因为收藏家害怕缺乏可比销售额对价格所造成的影响,或者他们手握佳作不愿出售。

勃鲁盖尔画中的鲜花其实并非同季,正是把这些不可能同时存在的鲜花画在一起,产生了超越生死的永恒错觉。

标志性作品即将亮相高古轩

而 McQueen 的 Running Thunder 是一个视频,全程拍摄的是一具新死的马尸,整整11分钟。安详的马脸、逐渐僵化的身体、宜人的微风它在无声无息地腐朽。镜头饼不会切换,我却盯着看了很久。仿佛一直盯着,下一秒它就能活过来。

2018年7月12日至8月24日,展览韦塞尔曼:19631983即将亮相洛杉矶高古轩,此次展览将展出艺术家在二十年间创作的七件标志性作品。这是该组作品在美国西海岸的首次展出。

这是两个艺术家面对生死和时间的命题,采取了不同的表达。

Tom Wesselmann, Still Life #3, 1962, mixed media and collage on board, 30 30 inches (76.2 76.2 cm), The Estate of Tom Wesselmann / Licensed by VAGA, New York, NY

生命短暂,唯有艺术长存。

韦塞尔曼在主题和美学之间徘徊,他对主题和抽象内容更为关切,主题更为客观,形象更为主观。他用色彩消除和抹平三维物体的逼真效果,并使之均衡于画面。1962年,韦塞尔曼开始停止追寻具体的美学目标,更多地依靠直觉。以后他画了很多静物作品,画面逐渐由繁琐转为简化。

Vincent Van Gogh

如1963年创作的《Still Life #29》,宽12英尺,描绘了一张厨房桌子上的日常物件。其中一个水果碗内,照片般逼真的苹果图像拼贴于油画颜料绘制的橙子和柠檬上。和任何美国家庭的厨房一样,在这些日常物件的旁边,一辆大众汽车在马路上飞驰,仿佛即将驶入韦塞尔曼空想出来的厨房。

文森特梵高

Tom Wesselmann, Still Life #61, 1976, oil on shaped canvases (four separate free-standing sections), 104 1/2 391 79 inches (265.4 993.1 200.7 cm), The Estate of Tom Wesselmann/Licensed by VAGA, New York

无法忘记的向日葵

而1976年创作的《Still Life #61》则把这种方式用于自画像上,六个部分作品的宽度超过三十英尺,画上是韦塞尔曼自己用的牙刷、鸡尾酒戒指和家里钥匙。图像透露着谨慎又无礼的色情,而这些物件暗示着某段时间:到达、进行中的某个活动、共同度过的夜晚。

Still Life: Vase with Twelve Sunflowers,1888

Bedroom Painting #40,1978,oil on canvas,56 x 69 inches

可能你会第一个想起他,但是不是这一幅?

汤姆韦塞尔曼坚信绘画的作用,开创了新的篇章:比例变化的思想,如巨大的静物画和广告拼贴画中拼贴比例的应用,以人体的各部分作为绘画题材的运用;复杂形状图案绘画和在室内画中生活物品的独特使用;以及某些商业技巧在绘画中的首次创造性表达。在他的作品中,他处理的不仅是现实世界,更是理性的现实世界。

梵高在1888年2月赴法国南部的阿尔勒旅居,他被那里的阳光和颜色吸引。8月,梵高画下了《向日葵》系列。同时,高更决定去和梵高住一阵子。梵高为此租下了黄房子,并买了两张新床。

这幅向日葵既是很多人认识梵高的契机,也曾创造了拍卖纪录,也代表了梵高生活的法国南部的阳光,黄和蓝也是梵高最喜欢使用的两种颜色可以在《星夜》和《也晚的露天咖啡馆》等名作里看到。

梵高与花朵,无疑是互相成就的。他曾在信中提到,正是在观察花朵时,他发现了画作颜色对比的规律。

Still Life, Vase With Daisiesand Poppies

他的其他花卉作品也同样令人震撼。《雏菊与罂粟花》这是梵高生前的最后画作,也是他的巅峰之作。他在他的医生保罗加歇家中完成的这幅作品,据说是为了支付加歇医生的医疗费用而画的,而梵高却在几星期后在那篇采集了罂粟花的花田结束了自己的一生。

Paul Czanne

保罗塞尚

现代绘画之父不是在画花

Stilleben, Blumen in einer Vase,between 1885 and 1888

看塞尚的花,可以参考他的书简里的一段话:文学是借抽象的东西表现自己,而画家是借素描和色彩来使感觉、知觉具体化。我们所见的东西全部都会四散消失,自然也一样,浮现在我们眼前的东西并非静止不动。我们要使艺术具有变化的外观,让自然永远充满生命的讯息,艺术就是要让我们感受到永远的存在。

毕加索说:保罗塞尚是我们所有人的艺术灵感之父。

Still Life with Flowers and Fruit,1988

在塞尚的笔下,一个整体凭借彼此间的关系:冷暖,遮挡,色调,虚实也就是画面形式的因素构成画面的主题。他画的不是花和果,而是这些花和果之间的关系。

Claude Monet

克劳德莫奈

画的不止是花,是一个场所

莫奈的睡莲因为色盲有色差的故事很多人已经听过。但我今天只想给大家看看莫奈的睡莲正确的观看方式,应该是以下这样的。

在巴黎橘园美术馆

在巴塞尔贝耶勒基金会

在巴黎玛摩丹美术馆

这样的画作和场所,让大家沉浸在对莫奈和睡莲画作的朝圣之心里。

Georgia OKeeffe

乔治亚欧姬芙

你看到的是什么?

Jimson Weed,1936

欧姬芙的花卉作品 Jimson Weed 在2014年以 $44,405,000拍出,3倍于此前女艺术家的拍卖纪录,成为史上最贵女艺术家。

欧姬芙的作品让人着迷,而且不自觉地联想到女性独有的器官。而第一次提出这个观点的,正是他的丈夫摄影师阿尔弗雷德史蒂格利兹,而欧姬芙最初成名,也是因为出现在丈夫一系列裸体的照片中,而照片中的她神情坚毅,丝毫没一点庸俗的色情。

Bleeding Heart,1932

虽然大家都这么说,艺术家本人表示:这只是我对花朵的近距离观察,而且因为花朵比其他主题更易获得,而且不会动。

不论如何,欧姬芙的花朵作品和前人都不一样,在当时就是最先锋的艺术,也让她成为风格最让人难忘的艺术家。

Wolfgang Tillmans

沃尔夫冈提尔曼斯

有爱就能拍出最可爱的花

提尔曼斯是当代最受欢迎的摄影师之一,他的「特技」是把普通的事物表现得不普通,把日常变得很特别。

Podium,1999年

但他却表示:我不喜欢把东西拍高级,也不喜欢把东西拍低级。我见山即是山。如果你问我创作的秘方是什么,真的是出来的那一瞬间,这是没法被复制的。如果你觉得创作总是得心应手,那是危险的。很多人老想着怎么能有成就,怎么可持续,怎么能被更多人看到,那就真的不有趣了。唯一真正有意义的是,要像艺术家一样,对所见所闻真的产生兴趣。

Anemone, 2003

高蓝

像博物馆一样收集数百朵玫瑰的瞬间与永恒

Rose,2018

Blue 最早决定以摄影作为表现手法,是在埃及看遗迹时,发现摄影能够更加准确又快速地完成收集的功能。而照片制作加框后,物体就如身在在博物馆的玻璃柜中。

又因为博物馆中很多物体都是逐件展出的,Blue在拍摄图像时,也只单独拍摄一件物品。尽可能地排除装饰和非主要色彩带来的感官干扰,试图只捕捉主题物的本质与其颜色。所有的玫瑰都是自然干燥,还原本质。在对玫瑰的拍摄中消弭了主题与物体、被呈现之物及象征物之间的距离,强调时间的对立关系。

Rose,2016

法国的玫瑰以前并不是这样的,直到17世纪末,中国月季等原种相继传入法国,经过几代的杂交种植,才形成了今天看到的玫瑰。对于玫瑰来说,中国是父亲,法国是母亲。一个给予 rose 本源,一个赋予 rose 文化含义。这也是生于首尔却长时间工作在巴黎的 Blue 选择「收集」数百多玫瑰的初心。

苏葵

无声的花与静物的有声之言

无声,2018

90后艺术家苏葵的摄影作品,以家为关注基点,作品中的花和其他静物作为家的摆设,被生活于此的艺术家所习惯性忽视。因此,艺术家将这些物件与时刻捕捉下来,以一种新的视角去观看、感受每一刻家所呈现出来的状态。

和鲜花一样,生活的瞬间也是稍纵即逝的,苏葵把这种诗意捕捉下来,仿佛小心翼翼地配对创作,使得那些被忽略又再也不能重现的时光留下了它们的心声。

无声,2018

从看花是花,到看花不是花,最后又回到看花仍是花。各位看官,你更愿意采摘哪一种呢?

编辑:江兵

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